Dévoilée dans les allées du salon du meuble de Milan, la Folded Lamp du designer Sebastian Jansson est réalisée en tôle d’acier plié puis laqué.

S’inspirant des plis que l’on trouve parfois sur les sacs en papier, l’objet se décline en trois couleurs – blanc, noir et gris – systématiquement associés à un intérieur jaune. La forme extérieure de l’abat-jour découpe ainsi la lumière chaude qui s’en échappe.

“As a designer who enjoys “tweaking” everyday objects, Sebastian Jansson has always been intrigued by “the way a plain sheet of paper folds into regular structures” and by paper bags in particular. This lampshade relies on the same “folding principle” to be observed in paper bags. Depending on which angles the user bends, the lamp produces a different atmosphere that can be changed in keeping with the degree of light required and the ambiance you wish to create.” (Georgina Oliver).

Source: sebastianjansson.com.

Après près de deux années d’existence, La Revue du Design fait peau neuve et vous propose une nouvelle formule: une nouvelle interface graphique; plus de place accordées aux photos, aux textes et aux commentaires de lecteurs; une mise en pages structurée en trois colonnes permettant une approche plus immédiate des différents contenus; et bientôt de nouvelles rubriques…

Mais avant de vous laisser découvrir cette nouvelle version, nous tenions à vous remercier chaleureusement pour votre fidélité, vos encouragements et vos nombreux commentaires.

Nous vous souhaitons une agréable lecture, et vous donnons désormais rendez-vous sur www.larevuedudesign.com.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

Une actualité chargée cette semaine, notamment pour cause du Salon du meuble de Milan!

A voir:

1/ Ross Lovegrove: Cosmic landscape (via designboom.com).

2/ 5.5 designers: cuisine d’objets (via designboom.com).

3/ Light+building Preview: ‘Crown’ by Formfjord (via dailytonic.com).

4/ Kkaarrlls at milan design week 2010 (via designboom.com).

5/ Le Belge by Reinhard Dienes (via mocoloco.com).

6/ Microsoft’s Project Pink Social Networking Phones Coming Monday (via fastcompany.com).

7/ Axor Urquiola collaboration comes to fruition (via core77.com).

8/ MOS Architects prefab home strategy… (via notcot.org).

9/ 15 most unusually interesting laptop concepts (via thedesignblog.org).

10/ Invert Sofa by James Van Vossel (via mocoloco.com).

11/ Raw Design (via spotd.it).

12/ La Fenice par Françoise Wan Lin (via muuuz.com).

13/ Greig Brebner, Blunt Umbrella – Designer Q&A (via designdroplets.com).

14/ Downtown by Roderick Vos (via dezeen.com).

15/ Nissan LEAF Electric Car (via design-milk.com).

16/ Juuri by Sarah Böttger (via dezeen.com).

17/ Led Net by Michele De Lucchi and Alberto Nason for Artemide (via dailytonic.com).

18/ Lockwood Chair by Misewell (via betterlivingthroughdesign.com).

19/ Artemide Miconos Collection (via design-milk.com).

20/ Tabard’ by Denis Santachiara for Pallucco (via dailytonic.com).

21/ Dryerhair by Industrial Facility (via mocoloco.com).

22/ Cut Series par Lucas Elander Hinnerud (via muuuz.com).

23/ Samuel Treindl: tickreich (via designboom.com).

24/ Honda Unveils All-New Electric Scooter, the EV-neo (via inhabitat.com).

25/ Jean Nouvel hook wall for Methis (via designboom.com).

26/ Milan Design Week 2010: Pieke Bergmans’ Monsters (via core77.com).

27/ Contemplating Monolithic Design by Sony and BarberOsgerby (via dezeen.com).

28/ Swarovski Crystal Palace 2010 (via dezeen.com).

29/ Milky Star Wardrobe System by Pudelskern (via designfolio.co.nz).

30/ Lago Nest-Like Bed, Impossible to Fall From (via freshome.com).

A visionner:

31/ De nombreuses vidéos réalisées à l’occasion du salon du meuble de Milan sont accessibles en ligne, notamment sur des sites tels que Designboom ou Abitare. Nous en retiendrons une en particulier: une amusante et assez originale interview de Ronan Bouroullec par Fabio Novembre (via abitare.it)

32/ Le blog What is design signale également une vidéo d’Ezio Manzini sur la thématique du design comme agent du changement: Design for Social Innovation and Sustainability.

33/ Egalement à visionner, une interview de Fabrice Vié, délégué régional adjoint de l’INPI Pays de Loire, réalisée par Nicolas Minvielle et abordant les problématiques de protection et d’achat des droits dans la création “design” (via design-blog.info).

A lire:

34/ “La disparition des icônes”, un texte de Didier Saco sur l’attachement que nous avons aujourd’hui aux produits plutôt qu’aux marques. “Chacun d’entre nous, à raison de 6 000 marques vues par jour et en consommateur quotidien de media, de linéaires, de gondoles, de packagings, de grandes surfaces et de boutiques, de gré et de force, est devenu expert [...] C’est le produit et non plus la marque qui instaure le crédit et c’est produit après produit que la marque construit sa légitimité et son histoire”. (via mondaydesign.blogspot.com).

35/ “Furniture Designers Are Shifting Focus”, un article – critique – d’Alice Rawsthorn, sur le salon du meuble de Milan qui se déroulait cette semaine. “That’s the strength and weakness of “Milan,” as the design world calls it. There won’t be anything special about most of the stuff that’s shown there. (It will be mediocre at best; a pointless waste of resources, at worst.) Though there will be a few exceptions, and several hundred thousand people will flock to see them.” (via nytimes.com).

36/ Une interview d’Eugeni Quitllet, collaborateur de Starck, sur le très bon site spotd.it.

37/ “Finishing Creative Projects & Other Lessons From Making Ideas Happen” un texte de Scott Belsky (qui est à l’initiative du site behance.net http://www.behance.net/), dans lequel il présente son nouvel ouvrage, Making Ideas Happen.. Selon lui, nous sommes entrés dans une sorte de “workflow réactionnaire”: saturés par les emails, les tweets, les messages, les appels téléphoniques, nous sommes sans cesse en situation de réponse. Le résultat est une perte de notre capacité d’initiative, de notre vision à long terme et une difficulté à hiérarchiser les priorités.
Deuxième constat, les grandes idées meurent souvent dans l’isolement. Elles ont rarement l’occasion de s’imposer et de se développer, et sont souvent abandonnés lorsque les contraintes de délais et de gestion de projet deviennent plus pressantes. (via swiss-miss.com).

38/ “Evolution of the Mind: A Case for Design Literacy”, un excellent et assez long texte de Chris Pacione, auquel nos consacrerons un article dans les semaines qui viennent, et qui s’interroge sur la possibilité d’un enseignement du design à tous, comme une nouvelle méthode permettant de résoudre des problèmes. (via interactions.acm.org).

S’inspirant du conte Alice au pays des merveilles (nous dit-on), la série de petites tables basses imaginée par Sam Baron pour Casamania est réalisée en noyer, avec une finition partiellement laquée. Elle est surmontée de plateaux en verre transparent ou miroir.

Les pieds, élancés, sont simplement ponctués d’excroissances aux formes presque “liquides”. Selon les modèles ces renflements se situent plus ou moins haut. Ils participent, dans tous les cas, à l’esthétique de l’objet en lui conférant une sorte de “masse”, presque étonnant étant donnée la finesse de sa structure.

Sources: sambaron.fr, designfolio.co.nz.

La lampe Muse, créée par le designer Sandro Santantonio pour l’éditeur italien Axo Light, a reçu il y a quelques temps un US Good Design Award 2009. Composée de tissu tendu sur une armature métallique, elle se décline en versions monochromes ou multicolores.

Muse existe en lampe à suspendre (diamètre 80cm) ou en applique (diamètre 40, 60, 80 ou 120cm).

Source: axolight.it.

La designer norvégienne Kaja Solgaard est une tueuse qui nous veut du bien. Tout commence avec le massacre d’une inoffensive commode sauteuse de style Louis XV. On reconnaît immédiatement son ennuyeuse silhouette au tablier bedonnant, ornée de cuivres maniéristes, ses hautes pattes chichiteuses, sa façade ventrue flanquée de tiroirs dont la manipulation s’accompagne souvent d’une légère odeur de naphtaline.

Notre victime est la soeur de celle qui trône ou traîne dans votre chambre, votre salon, comme un cheveu sur la soupe, depuis que vous en avez hérité. Valeur sentimentale et valeur commerciale sont autant d’arguments mis en avant pour assurer la sauvegarde du meuble, en dépit du caractère “hors contexte” de sa présence.

Intervient alors Kaja Kristine Solgaard Dahl de son vrai nom, géniale criminelle: voilà la commode de style brutalement réduite en copeaux, ensuite compressés pour modeler la silhouette tout aussi familière de la petite table la plus vendue de l’histoire d’Ikea.

“Quelque chose qui fut jadis exclusif et original a été transformé en l’un des meubles les plus abordables, massivement produits et plus vendus de notre siècle. Cette table, vous la retrouvez dans toutes les maisons. A travers notre processus de transformation, nous avons adapté un objet passé de mode, qui a perdu son sens, en un meuble qui répond à nos style de vie et intérieur contemporains.”

Qu’importent le résultat peu esthétique et l’illustration peu vendeuse, car la question soulevée est essentielle : celle de la valeur intrinsèque de l’objet, sous-tendue des sempiternelles notions de patrimoine, d’héritage, et de marché.

Kaja Solgaard (en collaboration avec Eddi Törnberg, déjà remarqué avec son amusant projet de chaise-étagère) a appuyé ses recherches sur une base célèbre : celles de l’étonnant groupe de Bloomsbury. Le groupe d’artistes, réunis sous la houlette de l’écrivain Virginia Woolf, dont les peintres Duncan Grant et Vanessa Bell (soeur de Woolf), les auteurs E. M. Forster (Maurice, Chambre avec vue, La route des Indes) ou Vita Sackville-West, fut actif du début du 20e siècle jusqu’à la veille de la Seconde Guerre mondiale. Créée à leur initiative en 1917, la maison d’édition Hogarth Press comptait parmi ses auteurs Gertrude Stein, John Meynard Keynes ou Katherine Mansfield.

Cependant, derrière la folie douce d’un mouvement pas si éphémère qu’Alberto Moravia le prédisait en 1930 (l’auteur avait “infiltré” le mouvement, pour les besoins d’un reportage), c’est un des fondamentaux du groupe, régulièrement oublié depuis, qui a fasciné Soljgaard et Törnberg: le manque de respect vis-à-vis de la supposée valeur des objets et la préciosité de l’héritage patrimonial.

“Notre point de départ, c’est la façon que le groupe de Bloomsbury avait de modifier les objets”, faisant effrontément fi de la valeur de l’objet, comme pour les fameux Omega workshops, “quand ils peignaient une cheminée de marbre ou par-dessus un tableau.”

“Nous avons voulu explorer la relation qu’entretenaient les membres du groupe de Bloomsbury avec les objets, dans leur environnement, leur façon de les élever au niveau supérieur, à l’étape suivante, sans aucun souci de respect.”

Le projet des deux designers est à considérer comme une invitation ouverte à la réflexion autour de la valeur de l’objet et de la question de l’héritage : comme on hérite un bien de générations précédentes, le design actuel a hérité de savoir-faire qui étaient eux-mêmes le résultat d’explorations, de tentatives, de choix. Si l’illustration physique du projet de Solgaard et Törnberg n’est pas forcément séduisante, au sens commercial du terme, elle a le mérite d’être accrocheuse, et l’intrigue bien menée.

Source : beckmans.se.

Journaliste indépendante (Connaissance des arts, L’Art aujourd’hui, L’Express…) et responsable éditoriale dans le secteur du livre illustré, Elodie Palasse est diplômée de Christie’s Education, école de la maison de ventes britannique, en Histoire & marché de l’art et en Arts décoratifs. Spécialisée en Histoire du design, elle a fondé le blog Sleek Design en 2009.

En exclusivité, Nicolas et Jean-Paul Minvielle présentent aux lecteurs de La Revue du Design leur dernier ouvrage, intitulé “Design d’expérience, un outil de valorisation des biens et services” et publié aux éditions De Boeck. Celui-ci, structuré autour de nombreux exemples, démontre comment dans un monde saturé de marchandises équivalentes et concurrentes, la valeur se crée de plus en plus à partir du “sens” accordé aux éléments de consommation, et aux expériences qu’ils permettent de vivre. Il analyse également les multiples facteurs pouvant influencer les choix des individus et la manière le “design d’expérience” permet d’initier de dynamiques nouvelles de consommation.

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Nous publions cette semaine chez De Boeck un ouvrage dans lequel nous analysons en détail les mécanismes de l’élaboration de nouveaux produits et services basés sur l’intégration d’une valeur immatérielle décisive : l’expérience.

Cet ouvrage est parti du constat que, dans un monde gavé de produits et services, un monde dans lequel les besoins primaires sont presque tous assurés – tout au moins pour les populations nanties du Nord – la demande des consommateurs les plus aisés s’orientait désormais vers des consommations porteuses de plus de sens.

Ce sens accordé à la consommation se décline bien évidemment différemment suivant les individus : sens éthique pour certains en consommant des biens ou services dits “solidaires” ou “équitables”, sens de l’altruisme pour d’autres avec des modes de consommation dits “humanitaires”, sens de la mise en scène de soi pour la plus grande partie d’entre eux avec la consommation de biens ou services considérés comme valorisants ou identitaires.

Les points communs de ces quêtes de sens reposent sur un certain nombre de dimensions, émotionnelles et intellectuelles, qui résultent de la “lecture” particulière que chaque individu fait de sa propre consommation et par laquelle il définira son identité personnelle.

Cette quête de sens peut être résumée dans le terme d’ “expérience”, entendu au double sens du terme : un épisode de vie tout d’abord, une construction de soi ensuite. Un aspect particulièrement intéressant de l’expérience est que, ainsi que les auteurs le démontrent à travers de nombreux exemples, elle peut porter sur les aspects les plus triviaux de la consommation : achat d’un café ou d’une automobile, passer une nuit dans un hôtel ou faire un voyage organisé.

La question qui se pose alors est celle des conditions de l’émergence de cette expérience, de cette transmutation d’un acte de consommation simple en expérience de vie.

Nous avons donc tenté, de formuler à travers de nombreux exemples tirés de domaines divers, une analyse de ce qui fait la spécificité du design d’expérience. Tout d’abord en soulignant que celui-ci existe dans les faits, dans la réalité quasi quotidienne du travail de certains designers qui, consciemment ou pas, volontairement ou non, en construisent les bases, souvent sur des intuitions et des appréciations empiriques.

C’est pour matérialiser ces intuitions et dépasser cet empirisme que nous avons démonté les constituants de l’expérience et identifié les mécanismes de leurs créations dans une optique opérationnelle.

En effet, dans le contexte actuel de surabondance de l’offre de produits et de services concurrents aux caractéristiques objectives souvent très proches, il est clair que le design d’expérience sera appelé à jouer un rôle de plus en plus décisif dans la détermination de la valeur accordée aux “choses” offertes, et donc dans les choix des consommateurs. En créant de la valeur ajoutée subjective, le design d’expérience ouvre un domaine presque illimité d’innovation, de diversification, d’amélioration de l’offre et de captation de la demande.

On l’aura compris, le terme de “design” que nous avons retenu ne s’applique pas uniquement à des objets matériels, mais aussi à des objets immatériels tels qu’un voyage par exemple ou bien la visite d’un magasin. La portée de l’analyse dépasse donc très largement le simple “dessin” esthétique d’objets physiques.

Cette ouverture sur l’immatérialité de la création de valeur ajoutée apparaît encore plus déterminante dans le contexte d’une époque confrontée à la finitude de la planète et de ses ressources.

On le sait, même si les pratiques ne suivent pas toujours, il est désormais devenu impératif pour la survie de l’humanité de passer à des modes de consommation plus sobres en ressources (matières premières, transports, usages des espaces, etc.).

Certains lieux communs bien ancrés, confondant croissance et développement, considèrent que l’augmentation du bien-être, ambition à laquelle ne renonceront jamais les hommes, passe par l’augmentation infinie de leur consommation. A cette approche purement quantitative d’une recherche toute théorique du bien-être par l’accumulation des consommations, le design d’expérience ouvre des voies plus qualitatives, et beaucoup plus prometteuses, basées sur des émotions plus profondes. Il ouvre ainsi sur des perspectives d’évolutions dont les limites ne sont pas identifiables, uniquement bornées par l’imagination et la créativité des designers.

Face à cet état de fait, le design d’expérience est entré dans un processus de construction conceptuelle, bien plus élaboré dans le monde anglo-saxon que dans la littérature francophone. Ce processus se greffe sur les avancées déjà réalisées dans les différents domaines de l’économie et du marketing expérientiel ainsi que de la psychologie sociale pour ne citer que les principaux.

Pour autant, il ne s’y résume pas et possède sa propre identité, une identité à développer. Les enjeux sont en effet de taille, largement démontrés par l’évolution des pratiques actuelles. C’est pourquoi il est apparu indispensable de mieux cerner les contours de ce domaine en construction, d’en identifier les dimensions et d’en appréhender les mécanismes de construction dans une optique opérationnelle.

Ce sont ces modalités de la transcription d’un dessein d’entreprise, à travers un design d’expérience, que cet ouvrage aborde en faisant appel à différentes disciplines (économie expérientielle, marketing expérientiel, psychologie sociale, anthropologie, ethnométhodologie, etc.) pour tenter de fournir un éclairage holistique sur un objet complexe et encore mal défini.

Nicolas Minvielle et Jean-Paul Minvielle.

Design d’expérience un outil de valorisation des biens et services, par Nicolas et Jean-Paul Minvielle, De Boeck éditions, 28 euros.

La série Obsession, du designer Kwangho Lee, se veut être une exploration de matériaux “pauvres”. Des tubes de PVC souple tressés génèrent ainsi une accumulation dans laquelle se dessinent des meubles et autres éléments fonctionnels.

Kwangho Lee situe l’origine de cette envie de poésie primaire, qui peut se dégager de matériaux simples, dans son enfance, qu’il a passée à la campagne à multiplier les petites constructions faites d’éléments divers.

“I was raised up in the far country side in my early childhood and moved closer in the outskirt of the big city in a farmland. As I grew up in the farm, my habit of building and making things with my hands was very natural and I’ve become to earn for a greed-less life. These humble childhood experiences and memories have given, and are still giving, great influences in my hand-crafted works. I dream of producing my works like a farmer patiently waiting to harvest the rice in autumn after planting the seed in spring.”

Source: kwangholee.com.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Scholten & Baijings (via design-milk.com).

2/ Bentspace (via suckerpunchdaily.com).

3/ Sack Sofa by Marc Sadler (via mocoloco.com).

4/ Memory by Tokujin Yoshioka for Moroso (via dezeen.com).

5/ Clinker Table By Rich Brilliant Willing (via designyearbook.blogspot.com).

6/ aTable by Beatus Kopp (via dezeen.com).

7/ Eco Paper Party Plates: Disposable Dinnerware Goes Green? (via dornob.com).

8/ Iceland Design March 2010: Jon Bjornsson’s volcanic sand products (via core77.com).

9/ Milan Preview: Pipeknot by Keiji Ashizawa (via dailytonic.com).

10/ Apaya par Aqua Creations (via blog.reflexdeco.fr)

11/ Pleats par USIN-e (via blog.reflexdeco.fr).

12/ Splash par Christian Ghion (via muuuz.com).

13/ Studio sjoerd jonkers: neolastic vases (via designboom.com).

14/ iPhone Desk Phone (via swiss-miss.com).

15/ Milan Preview: Moustache to launch new collection (via dailytonic.com).

16/ 36 Pencil Bowl (via stilsucht.de).

17/ Works by Hans Hemmert (via spaceinvading.com).

18/ MOA basket series by Eva Marguerre and Marcel Besau (via dailytonic.com).

19/ Enzo Mari for Artek (via designboom.com).

20/ Sunbeam Designer Series Glass Kettle (via yankodesign.com).

21/ Milan Preview: Wogg50 chair by Jörg Boner (via dailytonic.com).

22/ Oyes Chair par Hofman Dujardin (via muuuz.com).

A visionner:

23/ Une interview de Marcel Wanders par la designer et artiste Amy Devers (via marcelwanders.com).

24/ Une vidéo dans laquelle Alfredo Häberli parle de sa collaboration avec Fredericia Furniture (via dagensdesign.dk).

25/ “Notes on Improvisation and Design” (via swiss-miss.com).

26/ “I’m not an artist: an animated Gif paranoia about nonstop design workers”, une animation créée par l’agence de communication espagnole Soon in Tokyo à la demande de l’ELISAVA, Ecole Supérieure de Design de Barcelone (découvert sur sleekdesign.fr).

A lire:

27/ “Teach Design: The Importance of Failure”, un article de Rob Stokes sur l’importance des tatonnements et des erreurs dans le projet de design, nécessaire à son évolution (via good.is).

28/ “Forget Ikea: le meuble en kit, c’est chic”, un article d’Elodie Palasse (via sleekdesign.fr).

29/ “Design Blogs: The Vacuum of Enthusiasm”, un intéressant article d’Alexandra Lange sur la médiatisation du design et de l’architecture au travers de blogs, et les modifications de compréhension que cela entraine (via
designobserver.com).

30/ “Natural User Interfaces Are Not Natural”, un article de Don Norman sur les nouvelles interfaces utilisateurs, notamment informatiques, mettant en avant une approche et une ergonomie décrite comme étant “naturelle”, c’est à dire se basant sur des gestes simples (via jnd.org).

Le projet Wearable lettering, conçu par la photographe et designer graphique Amandine Alessandra, se propose d’utiliser le corps comme moyen d’expression typographique.

Les méandres du corps et ses différentes positions dessinent ainsi les caractères, ceux-ci possédant, dans une analogie presque perturbante aux typographies plus “traditionnelles”, leurs pleins ou leurs déliés, leurs empâtements…

En développant ce projet, la designer fait également un écho à d’autres utilisations du corps comme support d’information, à vocation commerciales notamment.

“The use of people’s body as a display medium in exchange for money has been a fairly common vision in the streets of London for almost two hundred years. One of the only work prospects for non-English speakers involves standing on a busy street while holding printed advertising at the end of a stick or wearing it on boards around their neck, a position known as human billboard).
Using the human body as a message display facility is a way of evading a tax on advertising by making it mobile, but also by using the humanity of the subject and its “freedom of speech” as a legal argument. The flexibility of this casual form of communication, combined with the performative potential of togetherness, provided the right components to start thinking of a malleable letterform expressing an ephemeral message.”

Source: amandinealessandra.com.

La Wire-chair est une évolution de la Cord Chair, qui avait été présentée par le designer japonais Nendo l’an dernier. Réalisée en tiges d’acier de 12mm de diamètre, laquée blanc ou noir, elle possède une silhouette fine et élancée, faussement discrète et minimaliste.

La Wire-chair sera présentée la semaine prochaine, lors de l’exposition des travaux de Nendo intitulée Chair garden, et présentée à la galerie Antonia Jannone.

“Addiction” est le nom donné à une collection de miroirs décoratifs édités par Robba Edition, et imaginés par une dizaine de designers français parmi lesquels Christian Ghion, Arik Levy, Jean-Marie Massaud, Philippe di Meo, Noé Duchaufour Lawrence ou encore Patrick Norguet.

Démultipliant les vues, fragmentant les reflets, ces miroirs se jouent de notre perception, structurent ou polarisent le vide qui les entoure.

Réalisés en verre acrylique miroir découpé numériquement, ils se fixent à l’aide de pastilles velcro double face.

Source: addictioncollection.com.

Les lignes simples et épurées de la Spock light ne laissent en rien présager de sa richesse d’utilisation. Utilisable en applique ou en plafonnier, multi-orientable, ce luminaire est composé de 16 leds montées en cercle sur un réflecteur miroir qui permet une meilleure diffusion de la lumière.

Imaginé par Couvreur et Devos, Spock est édité par Modular Lighting Instruments. Il est disponible en couleur chaude (3000°K) ou plus neutre (4000°K). Sa partie centrale peut subir une rotation de 159°, permettant différentes modulations et directions de l’éclairage.

Source: designlines.de.

Clip est un système de la tables empilables dédié aux lieux publics: bureaux, salles de réunion, auditoriums… Conçu par Komplot Design pour Fora Form, il se caractérise par une forme simple juste marquée par un décentrement de deux des quatre pieds, permettant une juxtaposition cote à cote de différentes tables dans un chevauchement discret mais étonnant.

Le système se décline en différentes tailles et formats. Les plateaux sont en laminé, et les pieds en acier chromé.

Source: foraform.no.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Olithas: Studo Efra’s Concrete Furniture (via core77.com).

2/ Ettore Sottsass bodum kettle (via designboom.com).

3/ Bufa Chair from MOWOstudio (via design-milk.com).

4/ Matteo Cibic’s The Girasole Light series (via notcot.org).

5/ Signature Erosion Sink par Gore Design (via blog.reflexdeco.fr).

6/ Folks, from Matthew Bradshaw (via industrialdesignserved.com).

7/ This Just Inbox: Little Time, a clock with magnifiers for hands (via core77.com).

8/ The Invisibles by Tokujin Yoshioka for Kartell (via dezeen.com).

9/ Magis at Milan furniture fair 2010 (via designboom.com).

10/ Concret chair and bench by Tejo Remy & René Veenhuizen (via mocoloco.com).

A visionner:

11/ Capsule Hotel – 9 Hours (via leblog.wcie.fr).

A lire:

12/ “Time to Rethink Design”. Plus qu’un simple article, ce dossier/magazine réalisé par
David Carlson et Brent Richards propose, en une vingtaine de pages largement illustré de faire un point sur le rôle, les travers et les contradictions du design aujourd’hui. Critique par bien des aspects, il en appelle à une reconfiguration de l’ADN du design (“Designs’ DNA needs to be reconfigured”) et en appelle, sous la forme d’interrogations et de pistes lancées à l’attention de la communauté “design”, à de nouvelles possibilités d’exercer la discipline. A lire absolument…
“Let’s face it; design is now a major source of pollution, as process and a phenomenon, design has degenerated into a state of aesthetic proliferation that has reached accumulative and destructive levels, in terms of loss of meaning, value, and identity.” (via davidreport.com).

13/ “Why @ Is Held in Such High Design Esteem”, un article de la critique Alice Rawsthorn revenant sur la décision récente du MoMA de faire entrer dans ses collections permanentes le symbole @.
“You may be wondering why a keyboard symbol should be lauded as a design coup. It’s a reasonable question, and the answer tells us a great deal about how design and our expectations of it are changing.” (via nytimes.com).

Le Bouc est un petit meuble fonctionnel, destiné à ranger ou supporter des livres (d’où son nom, “bouc”, en analogie à “book”). Il est né de la collaboration entre le designer Mathieu Gabiot et une agence de graphisme spécialisée dans le secteur éditorial.

Entre mini-bibliothèque et table de chevet, il permet de placer un livre dans différentes positions: rangé sur le coté, ouvert à une page donnée sur le dessus…

“Le Bouc aime les livres. Il les porte, ouverts ou fermés, les tient à votre disposition, au bureau, au salon, au jardin.”

Edité par Speculoosbook et fabriqué en Belgique, Le Bouc est disponible à la vente depuis octobre 2009.

Source: mathieu-g.be.

Dessiné par Matteo Thun pour la marque belge Belux, la série de luminaires Arba est (presque) entièrement réalisée en érable provenant de forêts gérées durablement. Le piètement du lampadaire et de la lampe de table se compose de cinq baguettes dont l’assemblage en torsion assure stabilité et solidité.

L’abat-jour est quant à lui constitué d’une fine épaisseur d’érable, et d’un diffuseur en PMMA.

Laissé naturel, le bois foncera et se grisera légèrement au fil des ans.

Source: matteothun.com.

Moleskine, fabriquant reconnu de carnets de croquis, vient de lancer un ouvrage contenant 462 reproductions de dessins réalisés par une centaine de designers internationaux, parmi lesquels les frères Bouroullec, Alessandro Mendini, Michael Graves, Hella Jongerius ou encore Karim Rashid. Une manière d’apporter un regard intime sur le processus de conception des créateurs, mais également de célébrer le travail “à la main” à une époque où les outils de conception assistée par ordinateur se sont généralisés. Une façon aussi, pour la marque, de continuer à construire son mythe de “carnet de croquis préféré des créateurs”.

L’ouvrage possède l’allure générale d’un Moleskine “traditionnel”: reliure arrondie, bande élastique, marque-page… Proposé au format A4, avec une couverture blanche (ce qui pour le coup le différencie du reste de la gamme), il est livré avec un autre carnet, comportant moins de pages, ce dernier étant vierge (à remplir soi-même donc).

La démarche est évidemment intéressante: entrer dans l’intimité créative des designers, visualiser la manière dont leurs idées apparaissent, s’incarnent ou évoluent au travers de leurs représentations. Elle s’inscrit d’ailleurs dans un intérêt tout récent pour le dessin, dont on semble presque “redécouvrir” l’existence ou l’importance (le Musée des Arts décoratifs de Paris organisait ainsi, il y a quelques mois, une exposition intitulée “Dessiner le design“, dont le propos était sensiblement le même).

Mais en élargissant notre point de vue, nous pouvons également nous interroger sur l’intérêt économique d’une telle démarche de la part de Moleskine, dont nous avions montré, dans un précédent article intitulé “Le carnet Moleskine : la création d’un mythe“, à quel point la marque avait intelligemment réussit à se construire un mythe de “carnet de croquis des créateurs” (alors qu’il est avéré que ni Picasso, ni Hemingway, pourtant habituellement cités, n’en utilisaient).

Dans un télescopage assez inattendu, dans lequel un producteur de contenants devient éditeur de contenus, on voit ainsi se dresser les contours d’un design instrumentalisé à des fins communicationnelles.

Et peu importe que personne ne sache, au final, si les designers dont sont reproduits les tracés ont effectivement utilisé ces carnets, car tout joue comme si le fait présenter, dans un Moleskine, des croquis de créateurs connus donnait a posteriori une idée précise de sa possible utilisation. Instrumentalisation, vous avez dit?

Vous pouvez visualiser une partie des croquis réalisés par les designers sur le site moleskine.com.

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The hand of the designer
362 pages, 450 illustrations en couleur.
Vendu avec un carnet de croquis vierge de 196 pages.
59 euros.

Le lancement officiel sera accompagné d’une exposition spéciale mettant en vedette tous les croquis originaux, organisé à la Villa Necchi Campiglio au cours du prochain salon du meuble de Milan (du 14 au 19 avril prochain). Les croquis seront ensuite vendus aux enchères par Sotheby’s à Milan.

“The hand of the designer” fait suite à la parution par Moleskine de l’ouvrage “The hand of the architect”, publié en 2009 et qui en est déjà à sa quatrième édition.

Autre montre, autre manière de traiter la transparence. Pour la marque suisse Pierre Junod, connue pour ses modèles dessinés par des designers ou architectes célèbres (Mario Botta, Shigeru Uchida, Richard Meier…), le designer suisse Steven Goetz vient de concevoir sa Watch3.

Les numéros sont imprimés en blanc sur la face intérieure de la glace saphir. Le fond étant blanc, ils ne se révèlent que quand l’épaisse aiguille des heures vient à leur niveau.

La nuit, le principe s’inverse, et la surface phosphorescente rend visibles les chiffres des heures en ombre chinoise.

Source: designboom.com.

Comme pour mieux signifier l’évanescence du temps qui passe ou qui arrive, la montre Vue watch développée par Yves Behar pour Issey Miyake Watches dévoile les heures les unes après les autres.

Une vidéo de présentation est visible sur le site fuseproject.com.

“The mindset of VUE, our new watch with Issey Miyake, is to experience the mystery of time hour by hour: VUE is a way to feel time’s appearance and disappearance in our lives. By seeing only the current hour, while the last hour representing the past and the next one representing the future subtly fade in and out, we can live a new view (VUE) of time.” (Yves Behar, Fuseproject).

Source: fuseproject.com.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Esker Bench (via design-milk.com).

2/ Eerang Park: bloom chair (via designboom.com).

3/ 1948 Buick Streamliner by Norman E. Timbs 6 (via thecoolist.com).

4/ Funktionale Baschädigung (via abitare.it).

5/ Cloud Softlight par Molo Design (via muuuz.com).

6/ Baba: Grandmother’s warm hug (via madameherve.typepad.com).

7/ Recession design: DIY design (via madameherve.typepad.com).

8/ Drop par Giulio Iacchetti (via muuuz.com).

9/ Ciclotte (via abitare.it).

10/ Milan Design Week 2010 Preview: Design Academy Eindhoven (via core77.com).

A lire:

11/ “Design communautaire, bonne idée ou pas…”, un article paru sur le site blog.use-design.com et relatant une récente initiative de Nokia, consistant à proposer à la communauté web de concevoir son téléphone portable “idéal”. En quelques points bien vus, l’auteur de l’article pointe les limites d’une telle approche, montrant notamment que “La notion d’’avis personnel’ est elle-même problématique, car les gens ne savent pas toujours ce qu’ils veulent, parfois ils ne savent pas l’exprimer, parfois les designers ne savent pas écouter, parfois l’observation (et la prise de recul) montre que l’expression de leurs besoins est déconnectée de leurs réels besoins” (via blog.use-design.com).

12/ “Can Design Save Management?”, un article de Youngjin Yoo de la Temple University, qui décrit comment le “design thinking” s’est peu à peu imposé dans l’entreprise comme un modèle de gestion possible, qui en pointe quelques atouts mais aussi des limites certaines, notamment celle de peut-être permettre d’éviter de se poser des questions plus profondes et peut-être plus dérangeantes concernant l’évolution d’un capitalisme devenu financier.
“Just as management was for the sake of management during the managerial capitalism, and finance was for the sake of finance during the financial capitalism, we may see the creativity for the sake of creativity in this new form of design capitalism. If that happens, instead of finding its panacea, management might have discovered the most powerful painkiller it has ever found. And, alas, that is design.” (via experientia.com et youngjinyoo.com).

La société japonaise Maruni a récemment ajouté à sa collection Hiroshima quelques pièces dessinées par Naoto Fukasawa. Des modèles de simplicité mâtinés d’influences scandinaves, dans leur manière de travailler le bois en courbe et en finesse.

Source: designboom.com.

Dans une entreprise, la photocopieuse est semble-t-il un endroit particulièrement stratégique. Mon bureau étant juste à côté de la dite machine, je fais parfois d’agréables surprises sur ce que impriment mes collègues. Dernièrement, un collègue à laisser traîner une photocopie tirée d’un ouvrage. L’illustration a tout de suite attiré mon regard…

Cette illustration était accompagnée d’une légende (originellement en anglais):

Les compromis de conception (”design” dans le texte). Le designer, en haut à gauche, veut une chaise unique, sophistiquée, qui la différencierait de toutes les autres – un fauteuil de signature. Le comité de la santé et de la sécurité exige que les mains, les pieds et la tête soient positionnés pour prévenir les blessures. Le basculement est interdit. Les ingénieurs fournissent une conception (”design” dans le texte) solide, robuste et pratique. Le marketing mène des focus groupe et revient avec une liste de caractéristiques: réglages, accessoires et porte-gobelet. La fabrication veut des matériaux simples, coupés avec des outils simples, assemblés avec des chevilles et de la colle. Quant aux clients, ils veulent une simple et confortable chaise à bascule, comme en bas à droite. (Dessin original de Brian Hall [...])

Ce dessin m’a vraiment troublé (et fait sourire aussi) puisque j’ai réellement eu l’impression qu’il était tiré d’un livre des années 60 alors qu’en fait il date de 1997 et se trouve édité dans un livre de 1998 écrit par la célèbre Don Norman: The Invisible Computer.

Si les caricatures ont parfois la vertu de simplifier une situation afin de mieux la comprendre, je reste ici dubitatif. Le travail du designer est tourné vers la forme et l’usage d’un futur produit, (il n’est pas tout seul bien sûr pour cette tâche), mais ici le dessin montre que le fauteuil du designer est le plus éloigné de ce que veut le consommateur.

Le designer est présenté par le dessin et sa légende à travers la figure caricaturale oscillant entre l’artisan et l’artiste, une figure qui ne travaille pas généralement de manière intégrée à une entreprise. Car en réalité il s’agit de ça! La suite du chapitre traite justement de l’organisation des différents métiers dans un projet au sein d’une entreprise. On suppose que le designer dont parle l’auteur est plus un designer industriel intégré. A ce sujet, Don Norman apporte une analyse dans la suite du chapitre qui me parait tout à fait juste:

The traditional sequence of product design is technology-driven. Marketing provides a list of essential features: the engineers state what neat new technical tricks and tools they are ready to deploy. The engineers build the device, putting as many new technologies to work as they can within their allotted time and budget, squabbling with marketing along the way over which of those features really matter and which don’t. Then after all is finished and the product ready to ship, call in the technical writers to explain it to the customers. Call in the graphics and industrial designers to make it look pretty. Call in the user interface experts to make it usable.

Guess what: this process doesn’t work.

L’auteur donne par la suite un conseil tout à fait d’actualité (alors que le bouquin date pourtant de 1998):

I suggested that development start with the study of the true needs of customers determined through observation and structured interaction. Start with observations using psychologists and anthropologists, skilled social scientists who know how to observe and learn without disturbing the phenomena they are there to record. Analyze what has been observed. Do quick tests of design concepts. Do rough, quick mockups and try them out in the context of the customer’s location, be it home, office, school or athletic field. Try different industrial designs. Try different interaction models. Then write a simple manual. Test as you go along on different populations, all representative of the target customer. Then, and only then, start with the technological factors and the design details.

[...]

The proper way to get an acceptable product is through a cooperative process with all the concerned parties participating at every step of the way.

La caricature utilisée dans le dessin n’est pas infondée, loin de là! En revanche, elle semble ne pas être sur le bon terrain. Il existe des nombreuses caricatures de designers je pense, mais c’est étonnant de voir qu’une soit autant dominante vis-à-vis des autres.

Cet article est également paru sur le blog Design et Recherche.

Conçue par Matilda Ringner pour le suédois Glasswork Skruf, la carafe Rain Man propose deux manières de verser: une “classique” utilisant le trou situé sur le haut de l’objet, et une autre sous forme de “pluie” plus fine.

Source: matildaringner.se.

La R Gallery de New York accueille, jusqu’au 15 mai prochain, une exposition sur le design coréen contemporain. Celle-ci dévoile un ensemble de pièces de tailles différentes, allant de la céramique au mobilier, et explorant d’une grande diversité de matériaux. L’occasion de découvrir une autre approche du design, oscillant entre tradition et modernité.

Quelques images:

Cette exposition est réalisée en collaboration avec la galerie Seomi de Séoul.

Source : r20thcentury.com.

Inspirée par un nid d’oiseau, rappelant également par bien des aspects – homogénéité des lamelles entremêlées, couleur… – un petit paquet de tagliatelles avant cuisson, la Nest Chair est la dernière création de la jeune créatrice danoise Nina Bruun.

Cherchant à proposer un chaos visuel possédant cependant une unité forte (“graphical chaos which still felt like a unified whole”), la designer a ainsi déployé autour d’une structure centrale composée d’une assise et de quatre pieds, assurant la stabilité à l’ensemble, un réseau de bandes de bouleau d’épaisseurs légèrement différentes.

Seule un coussin brun chocolat, sans fioritures, vient rompre s’insérer au milieu des lamelles, apportant le confort nécessaire. Là encore, l’analogie avec le nid (“nest”) est présente : c’est au centre que l’on est le mieux installé.

Source : ninabruun.com.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Wood par Fredrik Mattson (via blog.reflexdeco.fr).

2/ Chaise Joko par Bartoli Studio (via muuuz.com).

3/ Bamboo by Yu Nomura (via dailyicon.net).

4/ Collection Steiner 2010 par Victor Boëda (via deco-design.biz).

5/ Cycloc (via stilsucht.de).

6/ Honda 3R-C Concept (via fubiz.net).

7/ Seoul Prize for the Medusa Lamp (via designophy.com).

8/ Bloom light by Patrick Jouin (via mocoloco.com).

9/ Garden Gun 5.1 (via stilsucht.de).

10/ Papo par Martin Schmid (via muuuz.com).

11/ Flatpack Heater by DBA (via mocoloco.com).

12/ Curve Frame Sofa Set (via design-milk.com).

13/ CityCar electric automobile (via cities.media.mit.edu).

14/ Rétrospective Greta Magnusson Grossman (via blog.reflexdeco.fr).

A visionner:

15/ Une vidéo de Ron Arad réalisée à l’occasion de son exposition à la galerie Barbican de Londres, dans laquelle il dévoile son intérêt profond pour le mouvement (“It would be nice if a lot of things were moving”) et comment il conçoit cet aspect comme une clé de son exposition. (via dezeen.com).

A lire:

16/ “Quand l’architecture et le design se rencontrent”, un article qui s’interroge sur les frontières des deux disciplines, et notamment sur les comportements de certains industriels qui décident de faire appel à des “starchitectes” pour créer des objets (via maisonapart.com).

17/ “Chirurgie plastique et design !!”, un court article de Sébastien Canu qui s’interroge jusqu’où peut aller le “design de personne” ou le “corps packaging” (via admirabledesign.com).

18/ “Art and Courage In Future Furniture Design”, un texte de Mads Nygaard Folkmann relatant le projet “Kreativitet og innovation møbelbranche i den danske” (créativité et l’innovation dans l’industrie de meubles danois), soutenu par le Centre danois pour la recherche en design (via dcdr.dk).

19/ “Why authenticity makes a difference”, deux exemples d’objets “signés”, justifiant un prix qui explose (viadavidreport.com).

20/ Et pour finir, “On Authenticity”, un excellent article de Steve Portigal et Stokes Jones sur ce même concept “d’authenticité” (via interactions.acm.org).

Le designer italien Marco Dessi a créé une collection de verres et carafes pour la marque autrichienne Lobmeyr. Intitulée Grip, elle est caractérisée par des formes aux courbes douces, marquées en leur base par un ensemble de fines incisions.

La marque Lobmeyr est notamment connue pour éditer des pièces de designers importants du XXe siècle, tels Josef Hoffmann et Adolf Loos.

Source: dezeen.com.

En partenariat avec le magazine Intramuros.

“Qui écoute, oublie. Qui regarde, se rappelle’. Qui fait, maîtrise. À l’instar de l’adage de Bruno Munari, il ne confronte l’objet que s’il fait sens et affronte les étapes pour mieux les dépasser. Radical, conceptuel, Gabriele Pezzini n’apprécie ni le bluff ni le style. Son design opère à la manière d’un uppercut : direct, parfaitement placé, longuement réfléchi. De l’exposition-manifeste Che Fare signée à quatre mains avec Enzo Mari au Yacht XXL conçu pour Hermès et Wally, ses recherches fondent les bases de sa logique. Intransigeante et lucide.”

“Simplicité, Gestualité

Il rêve de voir le design enseigné dès l’école primaire. Pour apprendre à décrypter la matière, à appréhender l’objet, sa valeur, sa fonction. Il vitupère, s’emporte, sans jamais cesser de se battre contre le système pré-établi des réseaux. Volubile, passionné, il ne se lance jamais au hasard. Chercheur d’exigence, penseur invétéré dévoué à la compréhension de l’objet, Gabriele Pezzini s’adonne aux confins de la recherche et de la production industrielle pour atteindre l’évidence, domestiquant la technique au service de la pensée. Né en Belgique en 1963, italien d’adoption, il reconnaît au postulat de départ son obsession pour l’infaillible. “Avec un père mineur, une mère brodeuse, je me souviens d’avoir été témoin depuis l’enfance de la recherche de perfection”. Sans dieu ni maître, il a commencé à regarder le travail des autres après s’être formé. “Contrairement à la mouvance italienne, je ne suis pas le petit-fils d’Enzo Mari. Je me suis construit sans aucune référence. Notre seul point commun vient de notre rigueur, de notre puissance à réfléchir et à penser, ce qui dépasse l’action de l’objet, résultat du conditionnement social, des écarts d’âge, d’une attitude et d’une culture différentes”.”

Ci-dessus, un extrait du portrait consacré à Gabriele Pezzini dans le numéro 147 (Mars-Avril 2010) du magazine Intramuros (texte par Yann Siliec).

Quelques projets de Gabriele Pezzini:

“Sunny Day Bench”. Un banc monoplace réalisé pour l’exposition “Open your mind” et édité par Union Corporation (2006):

“Walking Carpet”, un tapis très graphique redessinant le “Huit” d’un circuit automobile. Nice Compagny (2001):

“Moving”, un tabouret en polyéthylène, Maxdesign (2003) présenté à l’occasion de l’exposition “Che Fare”:

“Orion”, une valise cabine à roulettes en aluminium renforcé de fibre de carbone et finition cuir pour Hermès (2009):

“Water Pot”, un mélangeur équipé d’un logement pour brosse à dents, en acier inoxydable. DRK Group (2001):

L’hélicoptère Hermès, un partenariat avec Eurocopter:

Cet article est disponible en intégralité dans le n°147 d’Intramuros, dont voici la couverture:

Il y a quelques temps le designer Jean-Louis Fréchin lançait une initiative simple et claire via le réseau twitter qui était de compléter la suite de la phrase “le design c’est…” La force du réseau aidant, de nombreuses personnes ont rapidement apporté leur contribution. Le designer a par la suite consigné les propositions dans un billet sur son blog, sans faire une quelconque sélection au préalable. On peut finalement y dénombrer plusieurs manières de faire.

La personne peut simplement donner son point de vue sur la chose:

Anaïs Triolaire: une discipline au service des autres.
Bouhey Fayolle: le design c’est une bonne question.
Samuel Hackwill: le design, c’est des idées en dur.

Ce qui peut amener certains à rebondir sur les propos d’un autre:

Jean-louis Frechin @remy: le designer est un Spécialiste de la non-spécialisation;)
Fred Bouteiller: @nodesign: le design c’est ta vie.

D’autres répondent par une question, peut être peu sûr de leur proposition:

Dominique Segalis: du bling bling ?
Philippe Benhamou: ça a un rapport avec Ikea ?
MOIRAUD: le Design c’est ? life ?

Enfin plus classiquement, certains empruntent des citations d’autrui:

François Druel: pour Steve Jobs, c’est l’usage qui fait un design réussi.
Clément Gault: “le design c’est de la tarte tatin” Ce n’est pas de moi…

On peut objecter que l’ensemble manque de cohérence mais je ne pense pas que le but initial soit de chercher une quelconque vérité mais davantage une photographie des multiples considérations regroupées par le mot “design”.

Toutefois, cette initiative m’a rappelé celle du webdesigner Chris Coyier qui avait lancé il y a quelques mois la plateforme Quotes on design. Le principe est de soumettre des citations sur le design, validées ou non par la suite. Cela donne aussi un mélange plutôt hétéroclite.

Au passage, il est assez amusant de voir que les personnes les plus citées sont Albert Einstein, Pablo Picasso, Steve Jobs, Don Norman ou Charles Eames. Dans l’ordre ça donne un chercheur, un artiste, un entrepreneur, un psychologue et… un designer. Notre Starck national n’apparaît qu’une seule fois, et ce malgré ses nombreuses sorties grossièrement provocatrices. Comme quoi, il n’est pas si célèbre que ça…

Ce qu’on y apprend surtout, et ce qui n’est pas très surprenant, c’est que le design revêt dans le monde anglosaxon une signification plutôt large, voire peut-être trop large. Bien sûr, il convient de ne pas traduire design par design mais plutôt par conception.

Néanmoins, la liste sous-entend que le terme anglais de design regroupe un ensemble de domaines très varié, tellement variés qu’on peut se demander si leur point commun supposé n’est pas un peu léger pour justifier de les regrouper sous le mot design. À lire cette collection de citations, j’ai davantage l’impression que le mot design est un mot magique très pratique permettant de regrouper des personnalités selon leur propos.

Quel point commun aurait Mike Tyson, Adolf Hitler et Maître Yoda ? Mike Tyson nous parle d’un combat de boxe et je témoigne que la boxe n’a pas grand chose à voir avec le design. Adolf Hiler parle lui de peinture et de stérilisation. Quant à Yoda, il nous sort un aphorisme dont lui seul a le secret. Au milieu de ça, on trouve néanmoins des propos m’apparaissant comme pertinents, et parfois par des personnes toutes aussi surprenantes (Michelle Obama par exemple).

J’avais soumis une citation d’un ami designer qui m’a expliqué un jour à juste titre, et avec une pointe d’ironie, que le design était parfois de la matière fécale emballée dans du papier cadeau. J’ai dit à juste titre puisque le design est trop souvent considéré encore de nos jours comme du maquillage où le designer arrive en fin de projet pour habiller l’ensemble de manière purement cosmétique. Malheureusement ma proposition n’a pas été retenue.

Il est vrai que mon ami n’est pas connu, car voilà le fait principal que j’ai retenu de cette initiative: selon Chris Coyier, pour parler du design il faut être célèbre.

Missionnés par la Stockholm Furniture Fair et le magazine Forum, Gabriella Gustafson et Mattias Ståhlbom (du collectif Taf Arkitektkontor) ont conçu la scénographie de l’exposition “What were they thinking?”, dédiée à l’exposition des travaux de cinq bureaux d’architectes nordiques. Ils ont pour cela imaginé un stand de 100 mètres carrés tramé de lignes colorées rappelant les tracés filaires des logiciels de conception assistée par ordinateur.

“We have brought the artificial world from the CAD-programs into the real life and to the full scale.” (“nous avons ramené le monde informatique artificiel dans la vie réelle et à échelle un”).

L’espace est ainsi structuré de lignes réalisées à partir de tasseaux peints, de section rectangulaire (15 x 33mm), empruntant leurs couleurs vives aux programmes de CAO.

Outre le fait de passer, selon la position de l’observateur, du structurel au décoratif, ce principe permet également de délimiter les espaces sans les cloisonner et d’opérer des courts-circuits visuels dans le parcours de l’exposition.

Source: tafarkitektkontor.se.

“Au côté des producteurs en grande série émerge en effet un monde de la petite série dont les voix se font de mieux en mieux entendre auprès du public et des médias. Un microcosme qui use de ressources spécifiques et entend bien changer les codes du design existant.”

Si ces nouveaux équilibres ne concernent évidemment pas les volumes de vente, en termes d’image et de diffusion par contre (par le biais de salons comme celui de Miami, par celui la presse, des salles des ventes…), le design “de galerie” et d’édition limitée, parfois produit directement par les designers eux-mêmes, rencontre un public de plus en plus large.

Il tend même à s’imposer comme une autre modalité de dialogue possible entre le design et le “grand public” (et bien que les prix pratiqués soient souvent bien supérieurs).

Ce phénomène est notamment rendu possible grâce au développement d’Internet, et “la toile est devenue un territoire privilégié pour la distribution de créations autoproduites”. Les objets proposés sont certes différents, souvent moins aptes à séduire un large public, mais ils permettent aussi de rencontrer plus fidèlement la réflexion du créateur, sans que celle-ci ait été “déformée” pour être adaptée à un marché de masse.

Dans la dernière partie de son texte, l’auteur ajoute: “Aujourd’hui, les petites productions viennent perturber les éditeurs, qui ont basé leur stratégie sur une composante sérielle. Non pas économiquement, car il est difficile d’imaginer que les galeries et les ateliers de design puissent un jour faire concurrence aux grands entrepreneurs. Mais plutôt culturellement. L’approche très conceptuelle de ces nouveaux acteurs du marché questionne la pertinence des produits fabriqués en masse. Désormais, ces productions marginales sont considérées comme un terreau fertile grâce auquel pourrait naître le monde matériel de demain”.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Air by Radius Design (via design-milk.com).

2/ Segmentus clock (via artlebedev.com).

3/ In pillole: Puzzleboard, un tagliere multiuso (via architetturaedesign.it).

4/ The OOoo Chair Uses Zero Materials (via inhabitat.com).

5/ Variable Plant Holder (via industrialdesignserved.com).

6/ Eva EV par Valmets (via dezign.over-blog.com).

7/ Daniele Trebbi Alone Wall Light (via bonluxat.com).

8/ Matteo Ragni: w-eye frames (via designboom.com).

9/ Reute Kroze Leoben par Yes Architecture (via muuuz.com).

10/ Shadow and Light by Front for Porro (via dezeen.com).

11/ Imaginary Architectures by El Ultimo Grito (via dezeen.com).

12/ Beautiful Snow-Inspired Lamp Made from Sugar (via inhabitat.com).

13/ Elica par Brian Sironi (via muuuz.com).

14/ Alle (via abitare.it).

15/ L’exposition “Richard hutten: 18 years of playing” au Design museum de Gant, en Belgique (via designboom.com).

A visionner:

16/ “China’s industrial design boom”, un mini-reportage sur le boom du design chinois. Quelques chiffres à retenir, et surtout une prise de consciences des décideurs et industriels chinois quant à la propension du design à améliorer les ventes d’une entreprise (via english.cctv.com et core77.com).

A lire:

17/ “Learning innovative product design via… stand-up comedy?”, un article de Hipstomp montrant comment, selon Peter Robbie, la phase de conception et de brainstorming peut-être améliorée si l’on étudie aussi les techniques de stand-up et d’improvisation…. (via core77.com).

18/ “Consumers Only Want Green Cars If They Are Superior in Every Possible Way”, un article d’Ariel Schwartz montrant que les véhicules “verts” n’attireront les consommateurs que s’ils sont supérieurs, en tous points, à leurs équivalents thermique. Où comment l’argument “éco” ne suffit pas… (via fastcompany.com).

19/ “Parler du design : deux approches”, une petite analyse de Clément Gault faisant suite à la question que le designer Jean-Louis Fréchin lançait via Twitter il y a quelques semaines, invitant à compléter la suite de la phrase “le design c’est…” (via designetrecherche.org).

20/ “Have we outgrown designer Ron Arad?”, une critique en règle de Ron Arad par Justin McGuirk (éditeur d’Icon magazine), faisant suite à l’exposition Ron Arad:Restless exhibition organisée à la galerie Barbican (via Justin Mc Guirk, On Design).

21/ “Phone designs that deliver”: la vision de trois designers de Nokia – Nikki Barton, Younghee Jung et Robert Williams (via nst.com.my).

22/ “Devenir le designer que vous rêvez d’être en 10 étapes” (via designfaq.fr).

23/ “The Big Rethink: Design driven innovation”, un article de Richard Sedley relatant son échange avec Roberto Verganti, professeur de management et d’innovation au Politecnico de Milan, et auteur de Design-driven Innovation (via core77.com).

24/ 52 weeks of UX, un site Internet sur lequel Joshua Brewer et Joshua Porter vont parler d’ergonomie, de design et d’expérience utilisateur durant 52 semaines (via blog.use-design.com).

A chacun de ses nouveaux numéros, le magazine suisse Espaces contemporains présente aux lecteurs de La Revue du Design une sélection d’actualités, de démarches ou de projets suisses (ci-dessus, un projet présenté par l’ECAL à l’occasion du “800 Show Creative Center” de Shanghai).

L’ECAL à l’heure chinoise

L’ECAL a présenté, début février, une sélection de projets d’étudiants lors de la dernière session du “800 Show Creative Center” de Shanghai. Des travaux menés en partenariat avec des marques prestigieuses et sous la direction pédagogique de quelques grands noms du design européen tels qu’Edward Barber et Jay Osgerby, Ronan Bouroullec, Big-Game, Alexis Georgacopoulos…
www.ecal.ch

Destroy Design

Marti Guixe, 2004.

Le Mudac, musée de design et d’arts contemporains de Lausanne, accueille jusqu’au 24 mai une exposition intitulée “Destroy Design”, qui interroge les relations qu’entretiennent le design et l’art, notamment dans leur propension à maltraiter, déformer, critiquer et plus largement désacraliser les objets qui nous entourent. Présentant les créations d’une trentaine d’artistes ou de designers, issues du Frac Nord de Dunkerque, cette exposition s’envolera ensuite pour le Danemark.
www.mudach.ch

Le Rolex Learning Center ouvre ses portes

Entrée principale avec cafétéria.

Conçu par le bureau d’architecture japonais Sanaa après un concours restreint à une douzaine d’équipes, le nouveau Rolex Learning Center a ouvert ses portes le 22 février dernier. Avec 500 000 volumes papiers et des millions de documents électroniques, le bâtiment accueille une des plus grandes collections de littérature scientifique du monde. Destiné à un public d’étudiants et de chercheurs, il est conçu comme un espace ouvert et flexible, ménageant des transitions douces entre ses différentes fonctions (amphithéâtre, salles de lecture, cafétéria…). Des ondulations au niveau du sol se substituent ainsi aux traditionnelles cloisons. Elles vallonnent le lieu et permettent ainsi le passage d’un espace à l’autre.
www.epfl.ch

Freitag, Recycling Attitude

Sacs de la Freitag Limited Art Edition.

Devenu en quelques années un classique du design suisse, les sacs Freitag sont conçus à partir de bâches de camions récupérées, nettoyées, découpées et assemblées. Lancés en 1993, ils sont aujourd’hui produits à près de 200 000 exemplaires chaque année, se déclinant dans 40 modèles différents toujours réalisés à partir des mêmes matières premières: 300 tonnes de bâche, 85 000 chambres à air de vélo et 35 000 ceintures de sécurité pour les bandoulières.
Dans une volonté de renouvellement permanent la marque lance aujourd’hui, entre autres produits, une série limitée intitulée “Freitag Limited Art Edition”, conçue à partir des bâches de grands musées d’art moderne: la Tate Modern de Londres, le MoCA de Los Angeles, Le Mori Art Museum de Tokyo et le Palazzo Grassi de Venise.
www.freitag.ch

Ici et le monde

Bâtiment communal et salle de spectacle, Corpataux-Magnedens, Suisse, 2007. Photographe: Thomas Jantscher.

Jusqu’au 21 mars, l’Hôtel-Dieu de Lyon accueille une exposition dédiée à trente projets d’architecture réalisés en Rhône-Alpes et en Suisse Romande, s’attachant à mettre en évidence une certaine identité régionale qui dépasserait les frontières géographiques nationales et serait caractérisée par un certain nombre de points communs ou d’ambitions spécifiques, sociales et énergétiques notamment.

Ces projets sont au sommaire du numéro Février /Mars 2010 de la revue Espaces contemporains.

Imaginé par le designer hollandais Lotty Lindeman, Grensgeval est un système hybride cloison/porte permettant de moduler l’interpénétration de deux espaces.

La “porte”, suspendue à une structure métallique, peut adopter différentes positions et se déplace facilement. Mobile, elle offre la possibilité de ménager une ouverture ou un renfoncement, démultipliant ainsi les vues et les passages entre les pièces qu’elle relie.

Source: blog.reflexdeco.fr.

La Pattern Chair est la nouvelle création d’Arik Levy pour la marque Emu, qui sera présentée lors du prochain salon du meuble de Milan.

Spécialiste du mobilier extérieur, Emu signe ici sa première collaboration avec Arik Levy. Une collection entière devrait voir le jour, basée sur le même principe de meubles réalisés en tôle perforée et cintrée.

Source: detnk.com.

Lors du dernier salon automobile de Genève, la firme indienne Tata (par ailleurs propriétaire de Jaguar Land Rover) a présenté sa Nano EV, un véhicule 4 places totalement électrique, bénéficiant d’une autonomie d’environ 160 km.

Ses batteries, lithium-ion polymères, lui permettent de passer (modestement) de 0 à 60 km/h en un peu moins de 10 secondes.

Si la commercialisation tarde en Europe et aux Etats-Unis (certains échos avancent l’année 2012), du fait d’une mise à niveau de la finition et de la motorisation afin de mieux correspondre aux attentes des consommateurs occidentaux et aux exigences en termes d’émissions de CO2, ses formes simples (curieux mélange d’une voiture sans permis, d’une Fiat 500 et d’une Mercedes Classe A) devraient séduire, à un prix qui devrait toutefois être environ 3 fois supérieur à celui pratiqué en Inde (100 000 roupies, soit environ 1500 euros).

Pour voir ce modèle en détail, vous trouverez ci-dessous les liens vers une vidéo et un diaporama.

Source: autoblog.com.

Découvert sur Muuuz, Konnex est un système d’étagère imaginé par le designer allemand Florian Gross composé de plusieurs modules qui, assemblés, permettent de multiples combinaisons.

Les planches composant les différents modules sont coupées à mi-bois, et peuvent donc être encastrées les unes dans les autres.

Vous trouverez plus d’informations sur ce projet sur le site konnex-regal.de.

Source: muuuz.com.

Stitch est un luminaire dessiné par Mattias Ståhlbom du collectif Taf, pouvant faire office d’applique ou de plafonnier. Il consiste en un épais disque lumineux orientable, qui se décline en plusieurs coloris (rouge, noir, gris et blanc).

Existant en deux dimensions (300 ou 450mm de diamètre), Stitch possède une structure en aluminium et un diffuseur en acrylique. Il est édité par Zero.

Le designer raconte qu’à l’origine, la forme de l’objet lui a été inspirée par celle d’un métier à broder.

Source: tafarkitektkontor.se.

Conçue par Bartoli Design pour Laurameroni, la gamme de mobilier Stars possède un parement en métal strié.

Elle se décline en différentes fonctions (buffet, table basse, rangements) et finitions (acier poli, laiton naturel, du cuivre poli et de cuivre naturel).

Source: dailyicon.net.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Paul Smith pour Stelton (via www.wepulse.com)

2/ Oblique Clock de Tristan Zimmermann (via abitare.it)

3/ On the road de Pierre Lescop (via industrialdesignserved.com)

4/ McDonald’s Promotion (via canadiandesignresource.ca)

5/ Objects and Materials par Lina Huring (via blog.reflexdeco.fr)

6/ Cabinet Chair par Ontwerpers.nu (via blog.reflexdeco.fr)

7/ Fauteuil Termitière de François Azambourg (via muuuz.com)

8/ Fire Pot Stand by Nimi (via jpdesign.org)

9/ Switch Me pa Josselin Zaïgouche (via designboom.com)

10/ Evolution par USIN-e (via muuuz.com)

11/ Keisuke Fujiwara: spool 214 thonet chair (via designboom.com)

12/ Unique IKEA by Kenyon Jeh (via dailytonic.com)

13/ Chaise Rocher de Hertel & Klarhoefer pour Ligne Roset (via ligne-roset.ro)

14/ Go! Gallery : Umbrella Canopy (via muuuz.com)

15/ ‘Sofa Boat’ is All-Electric, But Still Just a Floating Sofa (via inhabitat.com)

A visionner:

16/ “Sylvie Adigard remonte l’histoire du mobilier contemporain” et pose ses questions à Gérard Laizé (via telematin.france2.fr).

17/ “5 bonnes raisons de (re)découvrir Patrick Jouin” par Marion Vignal (via lexpress.fr)

A lire:

18/ “Payez les designers!”, un article de Nicolas Minvieille sur les différents modes de facturation qui s’offrent aux designers, et sur l’importance de faire payer ses études et recherches, car “la reconnaissance du travail de designer passe par sa facturation” (via design-blog.info)

19/ “The end of Droog”, un article de Markus Frenzl dans lequel il analyse l’évolution du collectif de design néerlandais (jusqu’à la séparation de ses deux fondateurs), et note l’apparition d’une nouvelle génération de designers qui prend ses distance avec cette démarche principalement basée sur des objets très “communiquant” et “provocateurs” (via stylepark.com)

20/ “DesigNYC”, un article consacré à cette nouvelle organisation caritative lancée il y a quelques jours, dont l’objectif est de mettre en relation des designers et des des organismes sans but lucratif (via designobserver.com).

21/ “Amidst the crisis, Korean automakers doing well–and they seem to ‘get’ design”, un court article de Hipstomp faisant écho à d’autres textes parus sur la BBC ou le Wall Street Journal, et évoquant le dynamisme des marques Coréennes (via core77.com).

22/ “Danish Designers political ‘Manifesto’: The Role of Design in the 21st Century”. En 16 pages d’un document pdf téléchargeable sur danishdesigners.com, les designers danois nous livrent leur vision du rôle du design (via designophy.com)

23/ “Designing Interactions at Work: Applying Design to Discussions, Meetings and Relationships”, un article de Roger Martin et Jennifer Riel militant pour l’application de méthodes empruntées au design pour redessiner les relations professionnelles et la conduite de projet (via interactions.acm.org).

Imaginé par Gabor Berger et Talya Rasner, et vendu sur Internet par la plateforme Oogazone, qui s’est fixé comme objectif de rapprocher les jeunes designers du grand public, la Flat Lamp est uniquement composée d’éléments en 2 dimensions dont l’assemblage et la torsion génèrent un objet tridimensionnel.

Différentes feuilles, interchangeables, peuvent faire office d’abat-jour.

Source: mocoloco.com.

Guindalo est un portemanteau en chêne massif dessiné par Nicolas Bovesse pour la maison d’édition espagnole ABR. Appelé à l’origine Mikado, il se compose de cinq tasseaux fixés par assemblage mi-bois.

Simplement serré par son centre, ce portemanteau, comme le dit son designer, “se fige dans un mouvement d’ouverture”.

A noter que Nicolas Bovesse présentera en Belgique, courant mars, une sélection de ses travaux au Grand-Hornu (avec également Marina Bautier, dont nous avons déjà évoqué le travail).

Source: abrproduccion.com.

Normal Studio vient de dessiner plusieurs nouvelles pièces pour ENO, notamment une carafe et une brique à vin intitulées Fresh, et réalisées en terre cuite.

Utilisée depuis l’antiquité pour sa capacité à conserver la fraîcheur, la terre cuite se trouve ici travaillée en formes simples, tout juste marquée de quelques détails formels qui lui apportent une certaine contemporanéité: la forme du bouchon en liège pour la brique à vin et le motif texturé pour la carafe.

Source: medesignmag.com.

La semaine dernière, lors de la Greener Gadgets conference qui s’est déroulée à New York, Yves Béhar a présenté son projet de voiture électrique et modulable à énergie solaire, à destination notamment des pays en voie de développement.

En décrivant son projet – encore à l’état d’idée – comme étant “hackable”, il entend proposer un véhicule pouvant être approprié de différentes manières, afin de correspondre à une diversité d’usages. On trouvera quelques similitudes d’approche avec son projet OLPC (One Laptop Per Child), notamment au niveau de l’analyse des besoins et des contraintes spécifiques aux pays en développement (les pièces se changent facilement et sont faciles d’entretien).

En couvrant le toit de cellules photovoltaïques, en misant sur des formes compactes et arrondies, interchangeables et modulables, Yves Béhar tente de conférer à ce projet “vert” un aspect ludique et une “bonne bouille” apte, espérons-le, à trouver un partenaire industriel qui souhaiterait se lancer dans ce projet.

Source: inhabitat.com.

Des idées, des découvertes, des projets édités ou publiés, des textes ou article parus cette semaine. A lire, à voir ou à écouter… et à découvrir ici.

A voir:

1/ Culdesac: welding wood (via designboom.com)

2/ Cabinet by Dimitri Vangrunderbeek (via dezeen.com)

3/ Carlos tiscar: tapas set (via designboom.com)

4/ Bite Silverware by Mark A. Reigelman II (via design-milk.com)

5/ Tomas Caraceno – From Camogli to San Felipe, Spiders Weaving Stars… (via abitare.it)

6/ Crafty Wooden ‘Flex Chair’ Uses Clever Flat-Folding Plastic (via dornob.com)

7/ Decoration Idea to “Hide” the Wires in Your Home (via freshome.com)

8/ A Fusion of Flower Framework (via yankodesign.com)

9/ Iconic Panels by B&N (via mocoloco.com)

10/ Kile by Yukari Hotta (via dailytonic.com)

11/ Table transformable MK2 par Duffy London (via muuuz.com)

12/ Imeüble by Bjørn Jørund Blikstad (via design-milk.com)

13/ Dream Excursion Module (via abitare.it)

14/ Cage Lamp par Dima Loginoff (via blog.reflexdeco.fr)

A lire:

15/ “Yves Béhar Talks Greener Gadgets”, une interview d’Yves Béhar par Jill Fehrenbacher, dans laquelle le designer revient en quelques questions sur les débuts de sa carrière et sa vision du design (via inhabitat.com)

16/ “Tom Geismar interview”, une interview d’une figure importante du design graphique, connu notamment pour son travail sur les logotypes de Mobil, National Geographic, Xerox… (via designboom.com)

17/ “How Haiti Could Change Design”, un article de Thomas Fisher qui, partant d’un point de vue compréhensible mais curieux (le design ou l’architecture profitent des catastrophes, qui leur permettent de repartir à zéro), énonce globalement le fait qu’intervenant à un moment où le chômage est élevé chez les designers, avec peu d’emplois pour étudiants diplômés, la mise en place d’une réflexion intégrant le design aux problèmes de santé publique et de catastrophes naturelles, bénéficiant d’apports de fond importants, aurait tout son sens. A lire, en anglais, sur places.designobserver.com.

18/ Une interview de Chris Martin de la société d’édition Massproductions (via dwell.com)

19/ “How Consumers Perceive Product Appearance: The Identification of Three Product Appearance Attributes, un article de Janneke Blijlevens, Marielle E. H. Creusen, et Jan P. L. Schoormans de l’université de Delft (via ijdesign.org)

Réalisée en aluminium brossé anodisé, le système Sen, développé par Nicolas Gwenael pour Agape, permet d’unifier un ensemble d’éléments techniques ou accessoires divers: robinets, flexible et colonne de douche, porte-serviette, rangements…

Sen est disponible en finition grise ou noire.

Source: curiosity.jp.

Le studio belge de design Unfold a expérimenté, l’an dernier, le prototypage rapide de céramique, offrant ainsi une écriture très personnelle et de nouvelles perspectives formelles à ce type de technique parfois “déshumanisé”.

Le principe est assez simple: la machine, composée d’une buse dans laquelle passe de l’argile en poudre mélangée à de l’eau, est conduite informatiquement. Les formes produites peuvent ensuite être passées au four et cuites.

Esthétiquement, elles explorent un vocabulaire assez inhabituel dans le prototypage rapide, parfois proche de l’artisanat et d’autres fois d’une expression presque naïve ou enfantine. Elle permet en effet d’associer, du fait de la spécificité de la matière mise en oeuvre, une dimension qui parait plus aléatoire que le prototypage par frittage de poudre ou polymérisation, qui eux reproduisent fidèlement les formes souvent très lisses des modèles informatiques.

Source: designboom.com.

Akka est un studio de design basé à Göteborg, en Suède. Lors de la dernière édition de la Stockholm Furniture Fair, ses membres ont présenté leur concept de table pliante, facile à monter et combinable de différentes manières, intitulée Ola.

Avec ses deux pieds excentrés, en forme de L, elle permet différentes configurations et possède l’avantage d’être verticalement stable, même repliée.

Ola se monte et se démonte facilement, en une dizaine de secondes, comme le montre la vidéo suivante.

Source: abitare.it.

Nous avons évoqué, il y a quelques jours, le portemanteau Tout Seul du designer Belge Vincent Olm, qui va être prochainement édité par Ligne Roset. La maison d’édition française semble désirer poursuivre sur cette voie caractérisée par une certaine simplicité formelle, que nous ne lui connaissions pas forcément jusqu’à présent. Elle devrait en effet bientôt également distribuer une lampe intitulée Lantern, imaginée par Mathias Hahn.

Lantern est réglable en hauteur, et constitué d’une forme en aluminium dans laquelle vient s’insérer une partie en verre jouant le rôle de diffuseur.

Vous trouverez plus d’informations sur ce projet sur le site du designer: mathiashahn.com.

Source : dezeen.com.